Jodorowsky versus Andrei Tarkovsky: dos formas de 'heredar' un país

Publicado por CMRL julio 25, 2026

Jodorowsky versus Andrei Tarkovsky: dos formas de 'heredar' un país

Rosa Labrandero Lorente

Sileno Sileno (IA Gemini · google.com)

Movimiento I: 'El Topo' de Jodorowsky (Tan ruso como Tarkovsky)

Ficha Técnica y Artística

Título original: El Topo
Año: 1970
Duración: 125 min.
País: México
Dirección y Guion: Alejandro Jodorowsky
Música: Alejandro Jodorowsky
Fotografía: Rafael Corkidi
Reparto: Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Alfonso Arau, José Legarreta, Mara Lorenzio, Paula Romo.

El topo de Alejandro Jodorowsky es una obra de culto, adorada por la comunidad hippie, y uno de los filmes preferidos de John Lennon, que financió su siguiente película: La montaña sagrada.

El autor, hijo de inmigrantes rusos en Chile (nació en Iquique), se integró en un movimiento cultural surgido a comienzos de los años cincuenta del siglo pasado, exiliándose voluntariamente del país en 1953 para instalarse en Francia. Ha compuesto más de cien obras de teatro, es profesor de tarot, fundó una escuela de masaje iniciático y es un eminente guionista de cómics, que ha colaborado con Moebius en la creación de El Incal, y con Arno en Aleph Tau. Su obra ha inspirado juegos como No More Heroes de Goichi Suda. Este hombre tan particular creó un movimiento religioso llamado Pánico, basado en la filosofía del dios Pan.

Su film El Topo ha sido calificado de wéstern surrealista y atípico, psicodélico, mezcla de spaghetti western con gore, película religiosa y LSD, Herschell Gordon Lewis (creador del gore) y Buñuel, de filosofía con violencia gratuita, lisérgica, sangrienta y hereje.

El film se enmarca en el mito de la caverna de Platón, usando la metáfora del topo: el conocimiento es irreversible, pero la salida precipitada a la luz puede ocasionar ceguera. Toma como referentes, desde una perspectiva herética, con toques homosexuales y lésbicos, el Antiguo y el Nuevo Testamento; en la travesía del desierto, el protagonista —que se asocia con la figura de Jesús (muestra los estigmas en las manos y los pies)— busca a cuatro "maestros del revólver", que personifican a los cuatro profetas: Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel.

El primero es un meditador (¿indio?).
El segundo, un ruso, acompañado de un león, que le demuestra que un balazo limpio y delicado destruye con precisión.
El tercero vive con conejos, y le da un consejo: que la denominada perfección es un error.
Finalmente, el cuarto es un viejo que no quiere luchar, y por lo tanto no puede ser vencido.

Recogido por un colectivo de hombres deformes, lisiados y enanos (supera las representaciones de Fellini, al que admira), que lo tratan como un dios, con la mejor voluntad causará su ruina. El frikismo impregna el film desde el principio: acompañado de su hijo, de unos siete años, desnudo, al que obliga a enterrar sus juguetes y el retrato de su madre, le pone una pistola en la mano y lo independiza; lo hace testigo de enfrentamientos sangrientos con una banda de voyeurs y fetichistas.

Si alguna vez ha sido cierta la máxima de Chabrol de que el cine es una ventana abierta al mundo, es en esta película. Film imprescindible para conocer la revolución del amor, el pacifismo, la contracultura, la gloria de lo feo y lo deforme... todo el aire fresco que recorrió la espina dorsal de la revolución cultural del 68. Hoy el mundo se ha vuelto más conservador, aunque las imágenes grotescas y cutres que invaden la "pequeña pantalla" parezcan decir lo contrario. Muchos aseguran no haber podido con el film, pero creo que es un ejercicio importante para conocer la evolución cultural de Occidente.

A quien le guste el cine de Fellini tiene en Jodorowsky una réplica sangrienta, propia de la zona del mundo en la que nació y vivió hasta que emigró a un país europeo. La violencia que retrata existe, y a veces la verdad supera a la ficción.

Jodorowsky es un auténtico "Juan Palomo": dirige el film, lo protagoniza e incluso compone la música.

Movimiento II: 'Andrei Rublev' por Andrei Tarkovsky

Ficha Técnica y Artística

Título original: Andrei Rublev (Andrey Rublev)
Año: 1966
Duración: 205 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Andrei Tarkovsky, Andrei Konchalovsky
Música: Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía: Vadim Yusov (B&W / Color)
Reparto: Anatoly Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Nikolai Sergeyev, Nikolai Burlyayev, Irma Raush.

Andrei Rublev es una cinta a través de la cual revives los tiempos de lectura de Tolstoi, y ves reflejada como en un espejo formas de hacer, más o menos ortodoxas, de los grandes maestros del cine como Bergman o incluso Ford. Esos planos fijos, largos, que permiten situar la acción en su contexto preciso; esos planos de detalle que nos muestran a animales y árboles como víctimas de la ruindad humana, bien cuando los muestra cayendo por una escalera (preciosa imagen de un caballo), retozando, o deslizándose entre los cadáveres, y en ocasiones fragmentados (colas de caballo); esas raíces que si tiras de ellas te conducen a árboles centenarios; o los cuerpos desnudos de hombres y mujeres, sin ropa que los oculte, formando parte del paisaje. Imágenes telúricas que lo integran todo, como en una visión del futuro.

Las dificultades que tuvo en su país son las derivadas de un poder firmemente asentado que ve peligros para su estabilidad en cualquier expresión; pero en Occidente, las viejas democracias están dando también muestras de anquilosamiento y cansancio. Solo basta ver Roma de Fellini con la plaza de España romana llena de hippies en la década de los sesenta, medio desnudos, y visitarla en 2010, en la que ante cualquier canto de jóvenes mostrando su alegría se produce una intervención de los carabinieri para reprimirla y devolver el orden. Falta quien haga un análisis como el de Tarkovski en nuestra sociedad.

Andrei Rublev es un biopic (muchos críticos no la llamarían así, por la falta de datos sobre el personaje histórico) de un monje-pintor de principios del siglo XV, que recibió el encargo de pintar los frescos de la Catedral de la Asunción de Moscú. El filme está dividido en capítulos, en los que siempre está Andrei, aunque no como protagonista. El viaje desde su convento de origen a Moscú le permite conocer la miseria y los ultrajes de que es objeto el pueblo ruso; en un enfrentamiento dialéctico con otro pintor, Teófanes "el Griego", se manifiesta a favor del amor a la humanidad, frente al viejo que clama contra la ignorancia de la gente, origen de todos los males. Esta cuestión sigue haciendo correr ríos de tinta.

Más tarde descubrirá trágicamente que el griego tenía razón, que el hombre soporta todas las humillaciones y agravios; que la religión que él predica margina a las mujeres y les obliga a cubrirse la cabeza como signo de sumisión, mientras que el hombre, hecho a semejanza de Dios, debe llevarla descubierta y no dejar crecer sus cabellos; que el patriotismo es una gran mentira, pues los poderosos de cualquier nación se unen para masacrar y desangrar a los pobres (uso de tropas tártaras en la lucha por el poder de dos hermanos). Pero también siente el deseo carnal por una joven, llegando a matar a un ruso para evitar su violación. Es entonces cuando se plantea definitivamente (ya llevaba meses reflexionando, sin trabajar) la función del arte en un mundo que no deja espacio a la creatividad y que le ha arrebatado la fuerza moral para amenazar a sus fieles con un Juicio Final, que se considera indigno de pintar. A esta decisión suma otra: no hablar más, pues no tiene nada que comunicar con los hombres que le han defraudado profundamente. Da comienzo a un exilio interior, practicado por muchos intelectuales en los tiempos de la sinrazón.

Pasan los años y mantiene su actitud, hasta que un joven del lugar, en el que han perecido todos al cerrarse el ciclo de la muerte con la peste, se ofrece a forjar una campana, al ser el único depositario de los secretos del forjado, desvelados por su padre en el lecho de muerte, lo que nos sitúa en el contexto de los gremios medievales y las logias masónicas antiguas (mito de Hiram). Esto no es así y se arriesga creyendo que no va a sonar, pero sí lo hace, y el joven sufre una crisis de inconformismo. Andrei lo abraza, lo consuela y le dice que ambos van a trabajar para hacer sonreír a la gente, que no lo merece, uno haciendo campanas y el otro pintando.

Muchos han visto una metáfora de la fe en la construcción de la campana; yo veo una gran dosis de realismo. La vida es así; la gente no solo es incapaz de defender su derecho a vivir la vida como un ser humano, sino que además es ignorante y manipulable, pero el artista sigue creando, el filósofo pensando, el músico composing... ¿derrotismo? No, realismo puro y duro.

Así pues, creo que además de una reflexión sobre la función social del artista, lo es sobre la incapacidad de las masas de escapar del destino y las trampas que les tienden los poderosos, y del triste final de no vencer nunca, de no mejorar, sino de ser conscientes de que las cosas solo cambian, a veces para peor, y de que el hombre, por muy intelectual que sea, tiene que acabar cediendo ante la realidad. No es cierto que el hombre no advance, pero lo hace tan lentamente que las generaciones protagonistas de los cambios apenas los perciben.

¿Crisis de fe? Sí, pero vuelta a la situación anterior a su proceso de maduración intelectual, no. Ante el hecho indiscutible de la muerte el hombre siempre se ha negado a desaparecer por completo, pero tras las revoluciones de finales del siglo XIX y de principios del XX, muchos cambiaron la perspectiva y se mostraron críticos con la pasividad de las instituciones religiosas ante las masacres de los pueblos y el genocidio. Vista la película desde la perspectiva actual, si bien Bergman, Dreyer o Fellini se preguntaron por la muerte, la existencia de Dios, la creatividad, etc., Tarkovski nos remite a Tolstoi y el ambiente prerrevolucionario ruso, en el que muchos hombres perdieron la fe. En algunos aspectos sigue siendo muy actual.

La película está filmada en blanco y negro, de una calidad fotográfica y lumínica extraordinaria, pero lo que más impresiona es el montaje y la edición, propia de los mejores creadores de la época. El ritmo permite una reflexión profunda sobre todos aquellos temas que han preocupado, preocupan y preocuparán al hombre, vistos por alguien que vivió la Rusia socialista y padeció sus contradicciones, aunque este viaje le permitió ver las cosas desde una perspectiva diferente e incombustible al paso de los tiempos. Termina con un pequeño documental sobre las obras del Andrei Rublev real.

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Concepto y dirección crítica: Rosa Labrandero Lorente
Redacción y edición: Sileno (IA Gemini · google.com)
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